JALISCO

Jarabe, palabra árabe Xarab que significa bebida y del azteca thapatíotl, que fue la moneda de tres unidades que se usó antes de la conquista. Se ha considerado que este jarabe tiene su origen en los pueblos cocas, en sus danzas indígenas y en los bailes de los soldados franceses.

Su antecesor fue el Jarabe Gatuno, creado en España a mediados del siglo XV y traído a la Nueva España por los peninsulares. Este jarabe tomó influencias de las danzas indígenas lo que llevó a que tomara varios matices.

El Jarabe Tapatío fue compuesto por Jesús González Rubio inspirado en las distintas regiones de Jalisco, llevándolo a que fuera popular en toda la república mexicana.

Es practicado en el centro y sur de Jalisco desde mediados del siglo XVIII. Según datos obtenidos, se ha considerado que el Jarabe Tapatío está formado por varias piezas, el más antiguo tenía 32, las que tenían su nombre, ritmo, coreografía y melodía propia (entre estas piezas se encuentra El Gorrión, El Palomo, El Burro, La Atolera, La Catrina, El Paisano, etc.).

Otras fuentes aseguran que está integrado por seis aires y que uno de ellos lleva el nombre de El Guajolote en donde se imita el cortejo del hombre a la mujer haciéndole la rueda, a la manera de los guajolotes en la época de celo. La conquista de la mujer llega cuando el hombre pasa su pierna sobre la cabeza de la mujer y cuando ésta acepta bailar en el reducido espacio del ala del sombrero.Cabe destacar que se dice que según era el nombre de la pieza, los bailadores imitaban el movimiento característico del animal, aunque las piezas que los acompañaban han desaparecido.

Estas canciones que formaron parte del inicio del Jarabe Tapatío eran interpretadas con instrumentos de cuerda y piano, aunque el mariachi era más apropiado. Cuando se trataba de imitar a un animal el que tocaba el violín se encargaba de hacerlo.

Los hombres que participaban en este baile vestían de charro y la mujer lucía el típico traje de china poblana o el que llamaban traje típico regional.

El Jarabe Tapatío es un baile que fue calificado como sobrio, debido a los movimientos de los danzantes a la hora de interpretarlo. Los participantes en este baile hacían con los pies dibujos moviéndose en una superficie reducida, pero repitiendo los pasos con gran rapidez.

Trajes Típicos

El traje típico de las mujeres consiste en un enredo de manta que llega casi al tobillo, cubierto en la parte inferior con bordados de colores en punto de cruz. Se tablea con muchos pliegues adelante y está sujeto con un ceñidor de lana, tejido todavía en un telar de cintura. La camisa es de manta y tiene un pequeño cuello alto.

La manga termina con un punto ajustado que, al igual que el pecho de la prenda, está adornado con más bordados.

El quechquémel, está formado por una tira rectangular de manta, doblada a la mitad para formar cuadrados sobrepuestos. Se cose por el lado adyacente al doblez y en su vértice queda la abertura para que pase la cabeza. Tiene alrededor una franja en punto de cruz, con figuras humanas y de animales, y otros bordados en las dos puntas, que caen sobre pecho y espalda. Las mujeres llevan el cabello suelto y lo atan a veces con cintas de lana tejidas en colores vivos.

El traje de charro como símbolo de identidad de México, por su tradición de origen campirano refleja parte de la cultura e identidad nacional.

El traje de charro representa lo mexicano y antes que nada, al mexicano surgido del mestizo a partir del siglo XVI. A finales del siglo XVIII, el traje de charro y sus complementos eran finísimos trabajos artesanales y de gran calidad, destacándose entre otras, los bordados, botonaduras de oro y plata, exagerados por su ornamentación y coloridos. A mediados del siglo XIX, fue modificado y definido el traje de charro, reflejando una imagen, que hasta en la actualidad se fue procurando conservar los detalles originales de su diseño.

CAMPECHE

La Cultura es el alma de nuestro pueblo, es por ello que debemos respetarla, cuidarla y sobretodo difundirla, así, veremos crecer nuestras raices y podremos volar teniendo los pies bien plantados sobre la tierra. Desde San Francisco de Campeche, México, les doy la bienvenida y me pongo a sus órdenes como instructor de la Danza Folklorica de mi Estado y ofrezco este espacio para que, entre todos, la hagamos de calidad y enriquezcamos nuestros valores.

Invariablemente sabemos que es a la tradición a la que tenemos que recurrir para iniciar la monografía del folklore de Campeche. La historia nos brinda algunas aportaciones y en la mezcla de historia y tradición inspiramos conlusiones.
La música y danza folklórica de la Península puede considerarse como la más auténtica de la República, con aceto y carácter propios.
La influencia española que dio origen al Fandango, Fagnuillo, Pavanas, Chaconas, Zarabanda, Seguidilla, Jarabes, Jarabillos y lo que ahora llamamos zapateado es el baile por excelencia del pueblo campechano.
Desde 1815, se celebraban en Campeche los alegres Saraos (palabra de Origen Portugués, adoptada en España cuando ambos paises formaban una sola nación) que significa Fiesta de Gran Gala con música y danza, la influencia española en la manera de divertirse es inconfundible en las llamadas gente de distinción y se efectúan por la tarde y en los salones de las casas de familias principales, poco despues se convirtieron en auténticas fiestas populares y se efectuaron en los distintos barrios de Campeche, en donde participaban gente de todas las Clases Sociales.
Estas costumbres trasportadas a las cálidad y maravillosas tierras de Campeche, dieron también origen a las llamadas "Fiestas del Palmar" valga de ejemplo las visitas a los barrios de San Francisco y las fiestas de San Román en salones improvisados en las cercanías de sus playas con el adorno natural de redes tendidas y enramadas de palma de coco.

 l traje regional de las mujeres campechanas es mestizo y tiene su origen en el estreno. Las mujeres solían estrenar cuatro veces al año: en el carnaval y en las fiestas de San Juan, San Román y la Purisima Concepción. En aquella época las patronas le relagaban a su servidumbre los ajuares completos, que con el paso del tiempo se convirtieron en el traje típico de la mujer campechana
La mujer campechana, especialmente la que vivía dentro del recinto amurallado, vistió al principio el "huipil", con una blusa o camisa que conserva la misma hechura de la parte superior del huipil original, la blusa se borda a mano con hilos negros al rededor del cuello, de forma cuadrada y de las mangas y del cuello. Los motivos que se bordan están inspirados en las flores de cebolla y calabaza; la primera es más vistosa y más rica en belleza, plasmándose sobre el fondo bordado de lino un bordado de hilo de algodón negro con los símbolos del escudo de la ciudad, murallas y naves con velamen en actitud de arribo. La orilla del cuello y de las mangas lleva un breve encaje que confeccionan con hilos negros y con la misma aguja que han bordado el "punto de cruz". Este encaje se denomina "puntillo" y algunas personas lo llaman "lomillo". La falda o saya que llega hasta los tobillos es de percal o zaraza, tafeta fina estampada o brocado español, a veces termina con un olán de la misma tela al cual le llaman "arandela". Debajo de la saya lleva una pollera blanca (la mujer campechana es por naturaleza impecable y limpia), llamada enagua, recogida al igual que la saya. Complementan el traje un hermoso reboso de Santa María, que saben llevar con gran garbo; este reboso ha sustituido definitivamente la pañoleta o mantilla que anteriormente se portaba. Por último las chanclas o chancletas, confeccionadas en suela dura y charol negro sobre en que se afanan los zapateros con bordados en hilera blanca. 

OAXACA (GUELAGUETZA)

Guelaguetza es una celebración que tiene lugar en la ciudad de Oaxaca de Juárez, capital del estado mexicano de Oaxaca. La Guelaguetza forma parte de los cultos populares a la Virgen del Carmen, razón por la que se celebra los dos lunes más cercanos a la festividad católica de esta advocación mariana (el 16 de julio). Otro nombre con que se conoce la Guelaguetza es el de Los lunes del Cerro, puesto que el corazón de la festividad es el cerro del Fortín, que domina el centro de la ciudad de Oaxaca. La palabra tiene origen zapoteco, y se supone que designa la acción de ofrendar, compartir o regalar.

En esta celebración participan grupos folklóricos de las ocho regiones del estado, portando vistosos trajes que llevan orgullosos.

Las 8 regiones de Oaxaca: 1. La Costa Chica 2. Cañada 3. Papaloapan 4. La Mixteca 5. Sierra Sur 6. Sierra Norte 7. Valles Centrales 8. Istmo Tehuantepec

Cada una dando muestra de sus tradiciones.

La Guelaguetza se celebra cada año en los dos lunes después del 16 de julio, excepto cuando el primer lunes cae en 18 de julio, aniversario luctuoso de Benito Juárez. En ese caso, se posponen las celebraciones una semana y caen en 25 de julio y 1o de agosto (como ocurrió en 2005 y en 2011, aunque en 2005 no se respetó esta tradición, y se celebró el Lunes del Cerro el día 18) también se le conoce como guelaguetza al apoyo en especie (chile, maíz, frijol, etc) que es realizado en las comunidades cuando se realizan festividades, este apoyo es recíproco, es decir, cuando se le brinda a la persona que lo requiere, esta está obligada a devolver el apoyo que se le fue dado, las personas de las comunidades lo realizan como una forma de mostrar interés a sus costumbres o por lo que su familiar está haciendo o celebrando, por lo regular el apoyo de la guelaguetza se da en las fiestas, al igual que en los velorios, solo que el apoyo cambia, es decir que las personas que lo reciben ya no están obligadas a devolverlo, pues es tomado como una forma de demostrar el pésame por la persona fallecida. Guelaguetza es una palabra zapoteca que denota el acto de participar cooperando; es un don gratuito que no lleva consigo más obligación que la de la reciprocidad.

La Guelaguetza de los Lunes del Cerro se expresa en la ofrenda a la Ciudad de Oaxaca que hacen grupos representativos de las ocho regiones tradicionales:

Los Valles Centrales La Sierra Juárez (Norte) La Cañada Tuxtepec La Mixteca La Costa La Sierra Sur y el Istmo de Tehuantepec Cada delegación presenta una muestra de su patrimonio cultural a través de bailes que ejecutan al son de la música y los cantos que les son propios, vistiendo indumentaria de gala de sus respectivos pueblos. Al terminar, cada grupo distribuye entre el público su "Guelaguetza" compuesta por objetos característicos de sus respectivas regiones.

DANZA AZTECA

Danza Azteca aquella actividad dancística de corte prehispánico que se practicó en la otra ciudad de Mexihco-Tenochtitlan, perteneciente a la cultura Azteca o, más correctamente, Mexihca. Entre otras posibles causas, esta danza toma el nombre de azteca, por ser esta civilización mesoamericana, la última de mayor esplendor y predominio en el momento del contacto con los invasores españoles. Otra posible razón, es que fue la cultura mexihca la que, a través de sus instituciones como el Telpochcalli, el Cuicacalli y el Calmecac, impulsaron y consolidaron este arte dancístico, entre otras artes, en la sociedad de su tiempo. Y que, por último, las mayores referencias que tenemos sobre la actividad dancística en la época prehispánica, provienen de los frailes de las órdenes mendicantes (franciscanos, agustinos y dominicos) que registraron las costumbres, tradiciones, creencias y formas de vida de los antiguos pobladores de México, principalmente de los mexihcas, utilizando más el término de Azteca en su producción escrita, contribuyendo con ello a una mayor difusión del mismo.

Sin embargo, cabe aclarar que esta danza no fue privativa de la cultura mexica, sino de todas las demás culturas que poblaron las regiones aledañas al centro de Mexihco-Tenochtitlan, tales como Tetzcoco, Tlaxcala, Cholula, Huexotzinco, Tlacopan, Azcapotzalco, entre otros. Además de que, existen antecedentes de que las culturas mesoamericanas del centro y valle de México, anteriores a los mexihca, desarrollaron y practicaron la actividad dancística, como los tlatilca, los teotihuacanos o los toltecas, por ejemplo. Así entonces, es probable que los mexihcas o aztecas, hayan sido solamente la culminación de una actividad dancística que venía practicándose por centurias (o más) en esta parte de la región mesoamericana.

Características de la Danza Prehispánica

Fray Toribio de Benavente en su obra Historia de los Indios de la Nueva España, nos refiere constantemente a danzas que podían durar todo el día y/o toda la noche, o varios días con sus noches. Estas danzas, además de realizarse en Tenochtitlan, se realizaban también en "Tlacuba", "Cuyuacan" y "Azcapuzalco".³ Son varias las referencias sobre las danzas realizadas por la noche. Aquí dos ejemplos de ello:

93 Tititlh. Este día y otro con sus noches bailaban todos a el demonio… 96 Tenían otro día de fiesta en que todos los señores y principales se ayuntaban de cada provincia en su cabecera a bailar, y vestían una mujer de las insignias de la diosa de la sal, y así vestida bailaba toda la noche…⁴

En su obra, Fray Toribio de Benavente nos proporciona varios elementos que conformaron la danza prehispánica, entre ellos, la pintura por ejemplo. Al igual que en la guerra, el acto mismo de la danza exigía a sus ejecutantes, el uso del color, colores que tenían un profundo significado simbólico. Es probable que no todos hicieran uso de la pintura, pero hasta donde las fuentes nos permiten observar, fue un elemento constante en el acto ritual dancístico. Hay que resaltar el elemento de la pintura como un elemento común entre el acto dancístico y el acto de la guerra, interesante asociación que nos permitirá observar también —a la postre— otro elemento común entre estas dos actividades, la jerarquía militar; no olvidemos, después de todo, que las sociedades del México antiguo estuvieron fuertemente jerarquizadas.

106… Cuando habían de bailar en las fiestas solemnes, pintábanse y tiznábanse de mil maneras; y para esto el día que había baile, por la mañana luego venían pintores y pintoras a el tianguez, que es el mercado, con muchos colores y sus pinceles, y pintaban a los que habían de bailar los rostros, y brazos, y piernas de la manera que ellos querían, o la solemnidad y ceremonia de la fiesta lo requería […] 113 Antes del día de la fiesta, cuatro o cinco días, ataviaban y aderezaban los templos… y el tercer día antes de la fiesta, los ministros pintábanse todos, unos de negro, otros de colorado, otros de blanco, verde, azul, amarillo, y así pintados a las espaldas de la casa o templo principal bailaban un día entero.⁵

Fray Bernardino de Sahagún fue otro religioso que escribió sobre el acto dancístico. Su obra, un tanto más ordenada en cuanto a las “festividades” o ceremonias de los mexihca que la de Benavente, nos menciona sobre la participación femenina. Al parecer, las mujeres tuvieron una participación activa en el acto ritual dancístico. Las danzas femeninas podían ser realizadas por mujeres con una formación religiosa o por mujeres comunes del pueblo, desde la más anciana hasta la más joven todas podían participar; parece ser que no existió discriminación, ya fuera por estrato social, rango o edad.

La vigilia de esta fiesta cantaban y danzaban todas las mujeres, viejas y mozas y muchachas…guiábanlas unos viejos, y regían al canto… La noche antes de la fiesta velaban las mujeres con la misma que había de morir, y cantaban y danzaban toda la noche; venida la mañana aderezábanse todos los sátrapas y hacían un areito muy solemne… ⁶

Una de las características principales de la danza mesoamericana, y que le da un rasgo peculiar respecto a otras danzas de civilizaciones antiguas, es la participación conjunta del sexo femenino y masculino. En las danzas donde participaban los dos géneros, éstos se colocaban de manera alternada en el círculo de danza o en columnas, es decir, un hombre, una mujer, y así sucesivamente. Podían danzar entrelazados de las manos o abrazados, o sueltos. Este tipo de danza “mixta”, parece ser fue la forma más común. Por supuesto, también hubo danzas en las que participaban solo los hombres.

Al octavo mes llamaban uey tecuílhuitl. En el primero día de este mes hacían fiesta a la diosa llamada Xilonen —diosa de los xilotes—… Todos estos ocho días bailaban y danzaban, haciendo areito hombres y mujeres, todos juntos, todos muy ataviados con ricas vestiduras y joyas; las mujeres traían los cabellos sueltos, andaban en cabello, bailando y cantando con los hombres; comenzaba este areito en poniéndose el sol, y perseveraban en él hasta hora de las nueve… y había muchos braseros u hogueras, que ardían en el mismo patio donde, bailaban. En este baile o areito andaban trabados de las manos, o abrazados… hombres y mujeres… las mujeres que servían en el cu… hacían areito en el patio del mismo cu, y cantaban los loores y cantares de esta diosa… de esta manera cantando y bailando velaban toda la noche… y en amaneciendo, todos los nobles y hombres de guerra hacían areito…⁷

VERACRUZ

Traje típico

Existe una versión que estereotipa al jarocho que es: la guayabera blanca con paliacate rojo al cuello amarrado al frente, pantalón blanco y sombrero de cuatro pedradas; incluso los "botines" suelen ser blancos. En el caso de las mujeres también existe un estereotipo en el que predomina el color blanco en las prendas (blusa, falda, enaguas, chalina y zapatos).

Sin embargo, se sabe, sin que esté probado, que el uso del blanco corresponde más a un atuendo de boda y, a un estereotipo de la vestimenta jarocha popularizada por las películas mexicanas de los años Cuarenta y Cincuenta, y reforzada por el atuendo de los bailarines del famoso Ballet de Amalia Hernández. De hecho, en la vestimenta diaria, solo algunos habitantes del sotavento usan las guayaberas y suelen ser de distintos colores, con tendencia a los tonos claros; otro tanto ocurre con las blusas y faldas de las mujeres, quienes sólo usan el "cachirulo" (especie de peineta) y las flores como adorno del pelo en bailables de exhibición pero muy escasamente en fiestas y "fandangos".

La costumbre masculina del paliacate al cuello tiene su origen en el hábito de proteger del sudor, en ese punto, la camisa o guayabera.

El adjetivo jarocho señala su pertenencia a la cultura afrodescendiente en la región del Sotavento mexicano. El sustantivo son designaba a principios del siglo XIX a cualquiera de los sonecitos del país que incorporaban baile en el evento popular y contenía rasgos estilísticos mestizos.

Su origen se remonta a la época colonial, donde se mezclaron elementos españoles, indígenas y africanos. Existen registros de que se acostumbraba a principios del siglo XIX desde la Cuenca del Rio Nautla en el Estado de Veracruz hasta Huimanguillo, hoy estado de Tabasco, asimismo en Córdoba, cuenca del Papaloapan, cuenca del Coatzacoalcos, Los Tuxtlas, los llanos de San Juan del Estado de Veracruz, en la localidad de chacalapa y en la parte norte de Oaxaca (Tuxtepec, Loma Bonita, Cosolapa, Acatlàn de Pérez) México. Hoy en día esta expresión es conocida en todo el país.

Características dancísticas 

El instrumento más sonoro del son, es la tarima, sobre la que los bailadores ejecutan con los pies el zapateado. La coreografía también sigue la estructura de la música, ya que en el momento de las figuras instrumentales, el bailador debe ejecutar un tipo de pasos llamados redobles y en el momento del pregón y tangueo, se bailan las "mudanzas".

La versada

Se le llama versada al conjunto de versos y coplas que posee cada cantador y que el mismo u otro cantador canta en cada son ya sea en un fandango, o fuera de él. También se le llama versada a la actividad en la que se dicen versos , ya sean sabidos o improvisados. A los que dicen versos sabidos se les llama decidores y a los que los crean se les llama improvisadores.

El contenido temático depende del son que se ejecute, pues cada son tiene su propio tema. Así tenemos , por ejemplo que en "Las Justicias" se cantan décimas a lo divino o en argumento mayor; en "El siquisirí" se aborda el tema amoroso en dos sextillas; en "el Buscapie" se cantan octavillas, décimas, y sextillas de contenido oscuro y luminoso de manera alternada. Cada son tiene su propio desarrollo y normalmente se empieza por saludar, para pasar enseguida al tema principal y finalizar con la despedida.Para los cultivadores del fandango existen reglas claras de como abordar un son y cual debe ser su contenido . Para los soneros que ejecutan sones fuera de los fandangos, es decir en restaurantes, festivales, encuentros, veladas etc también existen ciertas reglas propias del lugar, el motivo, las personas etc. pero estas son más frágiles.Existe la imagen estereotipada, tal vez producto del cine y de los espectáculos folclóricos que los cantadores o versadores deben conducirse siempre de manera chusca, ingeniosa, cómica, hilarante y pícara. Sin embargo no siempre es así y se observa muchas veces un alto nivel poético y lúdico entre los cantadores, así como un público cada vez más exigente tanto en las formas, como en los contenidos del verso. También existen cantadores que, siguiendo la costumbre de una época, hacen del halago a los gobernantes su quehacer principal.

• Versada fija:A diferencia de los corridos o de las canciones, boleros y demás, no existe una versada fija en el son jarocho. lo que existe es un tema carácterístico de cada son y un desarrollo temático que corresponde al estilo propio del cantador. Existe una gran cantidad de versos y coplas del dominio público que son cantadas en cada son, pero dicha preferencia es totalmente opcional. También existe el ejercicio de la improvisación de coplas que son elaboradas en el momento mismo de la ejecución del son, pero tampoco existe una obligación de improvisarlas a menos que se trate de un contrapunteo entre repentistas.
• Protocolo de los cantadores: Actualmente se observa un descuido en las reglas de cantar. Sin embargo , existen reglas claras acerca de esa actividad. Como el guitarrero también llamado requintero o punteador ocupa el lugar central frente a la tarima y los jaraneros mas viejos los flancos inmediatos, a los cantadores les corresponde el lugar de los flancos extremos, y a los aprendices los lugares de atrás.Los músicos en los Tuxtlas se afinan al tono de los cantadores y estos conviene entre sí el número de coplas, correspondiendo al guitarrero la detonación y la orden de terminar el son.El ambiente ampliamente participativo del fandango da la impresión de desorden. No es así. De acuerdo a las reglas antiguas el máximo de cantadores en un son de fandango es de cuatro y el pregón es la manera de apartar el siguiente turno en la ronda.El relevo de cantadores está permitido pero para ello debe desocuparse el lugar de los flancos y ser ocupado por los nuevos cantadores siempre y cuando así lo autorice el guitarrero quien puede en cualquier momento dar por concluido el son.

Métrica: Décima, cuarteto, sexteto y octeto, octosílabos generalmente, son utilizados.

NAYARIT

En algunos bailes, el hombre puede llegar a bailar con los ojos vendados con un paliacate para alardear aún más. Es una danza mestiza que busca contrastar la rudeza del hombre con los machetes y la delicadeza y coquetería de la mujer. Los materiales implementados son cuchillos. Aquí se demuestra su habilidad y destreza en el uso de los cuchillos, en ocasiones vendados de los ojos, en contraste con la gracia y delicadeza femenina. Vestuario de Hombre. El mestizo Nayarita usa calzón y camisa de manta con un paliacate debajo del cuello, faja roja y camisa ceñida; la faja puede ser de algodón o lana, porta sombrero de ala corta y cuatro pedradas y, además lleva huaraches. El traje de la mujer mestiza. Es de blusa de satín en color fuerte con un olán en forma de pechera ribeteado con encaje de bolillo, la falda es amplia con un doble olán en la parte inferior, el olán de abajo es de la misma tela de la blusa; el tamaño facilita los movimientos del baile en los cuales las manos sujetan los extremos de la falda que se mueve al ritmo del compás de la música, lleva en la cabeza una peineta de color y un pequeño ramo de flores al lado derecho, su peinado es un sencillo atavío de la mujer con una cadena con la cruz, pulseras, arracadas de oro y abanico de palma entretejido con estambres. Su traje consta de botines negros, medias de color carne o calcetas con anillos de tonos brillantes, falda con chaleco de razo o satín con listones que circundan la falda de colores, y/o camisa de otro color y/o chaquetín de traje negro; utiliza una máscara generalmente de baqueta, porta un sombrero de palma adornado con flores de papel de china y tiras del mismo material que penden del sombrero hacia la espalda, el nombre de estos danzantes lo toman de los cuchillos que portan en los tobillos, estos se colocan encontrados para que cuando se ejecute la danza los hagan sonar.

DANZA FOLKLORICA EN MÉXICO

En la cultura mexicana la danza es la espina dorsal del folclor . En ella se reflejan ritos, cultura y tradición. Desde antes de la llegada de los españoles, para los pueblos que habitaban la ahora República Mexicana , la danza ritual era parte imperante en su vida cotidiana.Los religiosos que evangelizaron estas tierras trataron de suprimirlas, pero, en vista de lo arraigadas que estaban, las fueron"adaptando" o "cristianizando" dándole a sí nuevos significados.